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Simply Red


I Simply Red sono un gruppo musicale pop-soul britannico, fondato nella prima metà degli anni ottanta da Mick Hucknall e due ex-componenti della band dei Durutti Column: Anthony Bowers e Chris
Joyce. In venticinque anni di carriera hanno venduto circa 55 milioni di dischi. Nel 2010 si sono sciolti, in occasione del 25esimo anniversario di carriera. Nel 2014 si sono riuniti, a quattro
anni di distanza dal loro scioglimento.

https://it.wikipedia.org/wiki/Simply_Red

Simply Red are an English soul and pop band that sold more than 50 million albums over a 25-year career. Their style drew upon influences ranging from blue-eyed soul, New Romantic and rock to
reggae and jazz. From their early days, the main driving force behind the band was singer Mick Hucknall, who, by the time the band was disbanded in 2010, was the only original member left.[1] At
the 1992 and 1993 Brit Awards, they received the award for Best British Group.

https://en.wikipedia.org/wiki/Simply_Red

Lou Reed Greatest Hits – Best songs of Lou Reed


Video https://youtu.be/QYEC4TZsy-Y
Lewis Allan Reed (New York, 2 marzo 1942Long Island, 27 ottobre 2013) è stato un cantautore, chitarrista e poeta statunitense.
Cantore al contempo crudo e ironico dei bassifondi metropolitani, dell’ambiguità umana, dei torbidi abissi della droga e della deviazione sessuale, ma anche della complessità delle relazioni di coppia e dello spleen esistenziale, Lou ha finito con l’incarnare lo stereotipo dell’Angelo del male, immagine con cui ha riempito i media per oltre tre decenni divenendo una delle figure più influenti della musica e del costume contemporanei.[1][4]
Con i Velvet Underground, fondati nella sua New York a metà anni sessanta insieme al musicista d’avanguardia John Cale, pur non riscuotendo alcun successo commerciale ha rivoluzionato per sempre i dettami della musica rock, gettando le basi per quell’estetica nichilista che anni dopo sarebbe stata ribattezzata Punk.[5][6]Dopo lo scioglimento del gruppo ha avviato una lunga e proficua carriera solista, che può vantare album storici come Transformer (prodotto da David Bowie), il concept album Berlin, il live Rock N Roll Animal e l’album-provocazione Metal Machine Music.[7]
Celebri e imitatissimi il suo look divenuto un marchio di fabbrica (giacca di pelle nera, jeans e Ray-Ban scuri), la sua voce apatica e apparentemente monocorde, il suo stile chitarristico abrasivo e dissonante.[8]
http://it.wikipedia.org/wiki/Lou_Reed
Lewis AllanLouReed (March 2, 1942 – October 27, 2013) was an American musician, singer, and songwriter.[1] After serving as guitarist, vocalist, and principal songwriter of the Velvet Underground, his solo career spanned several decades.
The Velvet Underground was a commercial failure in the late 1960s, but the group gained a considerable cult following in the years since its demise and has gone on to become one of the most widely cited and influential bands of the era.[2] Brian Eno famously stated that, while the Velvet Underground’s debut album only sold 30,000 copies, “everyone who bought one of those 30,000 copies started a band.”[3]
After his departure from the group, Reed began a solo career in 1972. He had a hit the following year with “Walk on the Wild Side“, but this level of mainstream commercial success was not to be repeated.[4] Reed was known for his distinctive deadpan voice, poetic lyrics and for pioneering and coining the term ostrich guitartuning.[5]
In 2003, Rolling Stone magazine’s list of The 500 Greatest Albums of All Time included two albums by Reed as a solo artist, Transformer and Berlin.[6]
http://en.wikipedia.org/wiki/Lou_Reed

Joy Division


I Joy Division (IPA: [dʒɔɪ dɪˈvɪʒən]) sono stati una band post-punk inglese formatasi nel 1977 a Salford, nella contea di Greater Manchester.

La band era costituita da Ian Curtis (voce), Bernard Sumner (chitarra e tastiere), Peter Hook (basso) e Stephen Morris (batteria e percussioni).

Dopo l’uscita dell’album di debutto, intitolato Unknown Pleasures, e nonostante il crescente successo commerciale e di critica, alla vigilia del primo tour americano il suicidio del frontman Ian Curtis, nel maggio del 1980, determinò il conseguente scioglimento della band. Dopo la pubblicazione del postumo secondo album Closer, i restanti componenti decisero di continuare l’attività musicale dando vita ad un nuovo gruppo, i New Order

https://it.wikipedia.org/wiki/Joy_Division

 

Joy Division were an English rock band formed in 1976 in Salford, Greater Manchester. Originally named Warsaw, the band consisted of singer Ian Curtis, guitarist and keyboardist Bernard Sumner, bassist Peter Hook, and drummer Stephen Morris.

Formed by Sumner and Hook after the two attended a Sex Pistols gig, Joy Division transcended their punk roots to develop a sound and style that made them one of the pioneers of the post-punk movement. Their self-released 1978 debut EP, An Ideal for Living, drew the attention of the Manchester television personality Tony Wilson. Joy Division’s debut album, Unknown Pleasures, was released in 1979 on Wilson’s independent label Factory Records. Aided by Martin Hannett’s sparse production, it was a critical success with the British music press. Despite this early acclaim, Curtis experienced severe depression and personal difficulties, including a broken marriage andepilepsy. In particular he found it increasingly difficult to perform at live concerts, during which he often had seizures.

In May 1980, on the eve of the band’s debut American tour, Curtis, aged 23, committed suicide. The group’s second and final album, Closer, was released two months later; the album and preceding single “Love Will Tear Us Apart” became the band’s highest charting release. After Curtis’s death, the remaining members continued asNew Order, achieving critical and commercial success. Although their career spanned only four years, Joy Division have come to be regarded as one of the most influential rock bands of the late 1970s.

https://en.wikipedia.org/wiki/Joy_Division

 

Crosby e Nash In Concert


[youtube https://www.youtube.com/watch?v=ypoyxmVynxQ]

Crosby & Nash sono un duo musicale statunitense composto da David Crosby e Graham Nash. I due artisti sono anche attivi assieme nel supergruppo Crosby, Stills, Nash & Young fin dalla fine degli anni ’60.

Come duo, Crosby & Nash hanno lavorato nel corso degli anni ’70 e nella prima metà degli anni 2000.

http://it.wikipedia.org/wiki/Crosby_%26_Nash

Crosby & Nash

In addition to solo careers and within the larger aggregate of Crosby, Stills, Nash & Young, the musical team of David Crosby and Graham Nash have performed and recorded regularly as a duo, mostly during the 1970s and the 2000s

After the success of Déjà Vu and the subsequent break-up of the quartet in the summer of 1970, all four members of CSNY released solo albums. Crosby’s If I Could Only Remember My Name and Nash’s Songs for Beginners appeared in 1971 and missed the top ten. That autumn, the two good friends toured together as an acoustic duo to favorable reviews, one night from which would be released twenty-seven years later as Another Stoney Evening. Consequently, in 1972 the two decided to record an album, resulting in Graham Nash David Crosby, which reached #4 on the Billboard 200, ensuring that the two were still a viable draw without the more successful Stills and Young. Further work together later in 1972 was precluded by Crosby’s participation in The Byrdsreunion album recording sessions. In 1973, the pair joined Neil Young for the tour that would result in his Time Fades Away album, Crosby collaborated with electronica artist and Grateful Dead associate Ned Lagin, and Nash recorded a second solo album, Wild Tales. During this time, singularly and together they contributed backing vocals to various albums by associates in the California rock scene, including Stephen Stills, Harvest, Late for the Sky, and Court and Spark.

In 1974, both dutifully joined the Crosby, Stills, Nash & Young reunion tour and attempt at the recording of a new album in Hawaii, sessions for which had continued in fits and starts after commencing in late 1973. After failing to complete an album Crosby and Nash signed a contract with ABC Records. Presumably for contractual obligations to their old label, the cassette and 8-track tape versions of their ABC LPs were issued by Atlantic. Recording activity yielded two albums in 1975 and 1976 respectively,Wind on the Water and Whistling Down the Wire. In that bicentennial year, Stephen Stills and Neil Young invited the duo to a recording session for their album Long May You Run. Crosby and Nash were forced to leave the recording session because they had time constraints to complete their second album for ABC Records, so Stills and Young wiped their vocals, releasing it as The Stills-Young Band. Crosby & Nash vowed not to work with either Stills or Young again, that oath lasting not even a year as they reconvened with Stills for the second Crosby Stills & Nash album in 1977.

ABC released four albums by Crosby & Nash prior to its being bought by the MCA conglomerate in 1979. In addition to the two abovementioned studio albums, the concert document Crosby-Nash Live appeared in 1977, with a compilation The Best of Crosby & Nash in 1978. All four albums featured their backing band The Mighty Jitters, consisting of Craig Doerge, Tim Drummond, Danny Kortchmar, Russ Kunkel, and David Lindley. Session bassist Leland Sklar alternated with Drummond in the studio, and the line-up of Doerge, Kortchmar, Kunkel, and Sklar had previously recorded as The Section, providing the back up for the first Crosby & Nash album on Atlantic. Depending upon availability of the various members, the twosome would either tour as a full-blown electric-based aggregation or in a semi-acoustic format with Doerge and Lindley. When CSN reunited on a more or less permanent basis in 1977, Doerge followed the group to Miami for the CSN sessions, contributing to several songs and collaborating on writing the song “Shadow Captain” with Crosby. Crosby and Doerge continued to collaborate regularly until the early 1990s.

In 1979, Crosby & Nash attempted a new album for Capitol Records, but sessions were dampened by Crosby’s increased dependence upon freebase cocaine. Sessions eventually appeared on Nash’s Earth & Sky without any songs from Crosby. Crosby’s problems during the 1980s with drugs, and his prison time, precluded any duo activity with Nash, the pair appearing on the CSN and CSNY albums of that decade. The 1990 CSN album Live It Up started as a Crosby & Nash record, but like its predecessorDaylight Again which was initially sessions for a Stills & Nash effort, Atlantic Records refused to release anything that didn’t include the full trio.

In 2004, Crosby & Nash released their first original studio record since 1976 with the double-album Crosby & Nash on Sanctuary Records, which featured backing mostly by members of Crosby’s band CPR. A single CD version was released in 2006 when CSNY began its “Freedom of Speech ’06” tour. On the Graham Nash box set Reflections, released in February 2009, the last track “In Your Name” was recorded on 21 October 2007 by the same band used for the 2004 Crosby & Nash album, including David Crosby on backing vocals.

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Demis Roussos – Greatest Hits 1971-1980 (Full Album)


[youtube https://youtu.be/sFyg84T1LHY]

Artemios Ventouris “Demis” Roussos (greco Αρτέμιος Bεντούρης Pούσσος; Alessandria d’Egitto, 15 giugno 1946 – Atene, 25 gennaio 2015) è stato un cantante e bassista greco.

Demis Roussos ha saputo esprimere il passato ellenico e la bellezza delle terre in cui ha vissuto attraverso un canto poetico e soave, prestato a generi diversissimi, dalrock progressivo, alla disco music, alle tante varianti del pop. Come bassista ha uno stile che ricorda le sonorità e la tecnica di Paul McCartney e di Brian Wilson.

Nato in Egitto da genitori di origini greche, tornò nel paese di origine dopo la perdita di tutti gli averi familiari, in seguito alla Crisi di Suez del 1956.

In gioventù Roussos aveva appreso il solfeggio e aveva imparato a suonare la chitarra e la tromba, divenendo inoltre cantante solista nel coro della chiesa bizantina diAlessandria d’Egitto.

In Grecia Demis Roussos entrò in diversi gruppi musicali (The Idols, Minis,Stormies, We Five e soprattutto Aphrodite’s Child), prima di iniziare la carriera da solista.

Il gruppo degli Aphrodite’s Child, del quale ha fatto parte dalla loro origine fino allo scioglimento, ha prodotto singoli di successo planetario come It’s Five O’Clock, Rain And Tears, Spring, Summer, Winter And Fall, I Want To Live, etc, e un album, 666, considerato dal pubblico e dalla critica come un capolavoro.

Il tastierista degli Aphrodite’s Child, Vangelis Papathanassiou, diventerà famoso compositore di colonne sonore con il nome di Vangelis (notevoli fra le altre: Momenti di gloria, Blade Runner, Alexander).

Demis Roussos è apparso anche in album solisti di Vangelis. Un suo grande successo è stato Race to the End, adattamento vocale del tema portante della colonna sonora di Momenti di Gloria (Chariots of Fire). La sua carriera solistica ha toccato l’apice negli anni settanta: vinse il Festivalbar 1971 con We shall dance che arriva quarta in Austria. Il singolo Forever and Ever fu primo nelle classifiche di molti Paesi (anche nellaUK Singles Chart con l’Extended play The Roussos Phenomenon nel 1976), secondo nei Paesi Bassi e quarto in Austria nel 1973. Altri successi furono My Friend the Wind prima nei Paesi Bassi per due settimane e settima in Germania nel 1973, My Reason prima nei Paesi Bassi per tre settimane nel 1972, Lovely Lady of Arcadia che nella versione Schönes Mädchen aus Arcadia arriva prima per tre settimane nei Paesi Bassi, seconda in Svizzera, sesta in Germania e settima in Austria nel 1973 e Goodbye My Love, Goodbye prima in Svizzera per 12 settimane ed in Germania, seconda in Austria e terza in Norvegia. Molto note furonoSomeday Somewhere che nel 1974 arriva seconda nei Paesi Bassi, Auf Wiederseh’n sesta nei Paesi Bassi nel 1974, Perdoname sesta nei Paesi Bassi nel 1975, Happy to Be on an Island in the Sun quinta nella UK Singles Chart nel 1975, When Forever Has Gone seconda nel Regno Unito nel 1976 ed anche una sua versione di Lost in Love degli Air Supply che arriva quarta nei Paesi Bassi nel 1980.

Fu tra i passeggeri del volo TWA 847 dirottato il 14 giugno del 1985. Percependo una svolta nella sua vita, Demis Roussos si imbarcò in un’operazione di rilancio della sua immagine con l’LP Time, che riscosse un discreto successo e con il singolo da discoteca Dance of Love. Nel 1988 il singolo Quand je t’aime arriva terzo in Francia e nel 1990 On écrit sur les murs quarto in Francia.

Gli anni novanta videro ulteriori sostanziali uscite: si accordò con la BR Music nei Paesi Bassi per produrre Immortal, Serenade e In Holland, utilizzando una gran varietà di strumenti etnici e stili elettronici.

Demis Roussos ha continuato a registrare e ad esibirsi dal vivo fino a poco prima della sua scomparsa. Nella primavera del 2002 fece un tour del Regno Unito. Nello stesso anno ha duettato con Ivana Spagna nel brano Tears of Love, inserito nell’album della cantante Woman.

Il 19 settembre 2008 è stato tra gli ospiti della trasmissione della RAI I migliori anni ed ha ringraziato il pubblico italiano perché proprio in Italia iniziò con successo la sua carriera come solista. Grande ritorno a I migliori anni nella serata del 31 ottobre ed in quella finale del 5 dicembre 2008; nelle edizioni successive è riapparso nelle puntate del 5 novembre e del 17 dicembre 2010: in quest’ultima ha riproposto il suo grande successo Forever and ever.

È morto in una clinica di Atene il 25 gennaio 2015 all’età di 68 anni. Il cantante era malato da tempo.

https://it.wikipedia.org/wiki/Demis_Roussos

Artemios “Demis” Ventouris-Roussos (Greek: Αρτέμιος “Ντέμης” Βεντούρης-Ρούσσος, 15 June 1946 – 25 January 2015) was an Egyptian Greek singer and performer who had international hit records as a solo performer in the 1970s after having been a member of Aphrodite’s Child, a progressive rock group that also included Vangelis. Roussos sold over 60 million albums worldwide and became “an unlikely kaftan-wearing sex symbol”.

A Demis Roussos Museum is now planned in Nijkerk, the Netherlands.

After settling in Greece, Roussos participated in a series of musical groups beginning with The Idols when he was 17, where he met Evangelos Papathanassiou (later known as Vangelis) and Loukas Sideras, his future bandmates in Aphrodite’s Child.[9] After this he joined the Athens band, We Five, another cover band which had limited success in Greece.

Roussos came to a wider audience in 1967 when he joined progressive rock band Aphrodite’s Child, with Vangelis and Loukas Sideras, initially as a singer but later also playing bass guitar, achieving commercial success in France and other parts of Europe from 1968 to 1972. They set off for London to break into the international music scene but were turned back at Dover due to visa problems. They retreated to Pariswhere they decided to stay, signing a record deal there with Philips Records. Their first recording sessions were delayed by the general strike of May 1968 but later the same year the song “Rain and Tears” was issued across Europe. the song appeared on the album End of the World in October. Composed by Vangelis and the French lyricist Boris Bergman, the song featured Roussos’s unusual high tenor, The song was only a minor hit in Britain but was successful in many other countries.[10] Roussos’s operatic vocal style helped propel the band to international success, notably on their final album 666, based on passages from theBook of Revelation, which became a progressive rock cult classic.

After Aphrodite’s Child disbanded, Roussos continued to record sporadically with his former bandmate Vangelis. In 1970 the two released the film score album Sex Power (the album has also been credited to Aphrodite’s Child) and also recorded the 1977 album Magic together. Their most successful collaboration was “Race to the End” (also sung in Spanish as “Tu Libertad”), a vocal adaptation of the musical theme from the Oscar winning film Chariots of Fire, while Roussos also guested on the soundtrack to Blade Runner (1982), with a song entitled “Tales of the Future”

https://en.wikipedia.org/wiki/Demis_Roussos

T. Rex Greatest Hits


[youtube https://youtu.be/wBBjutLRXyI]

I T. Rex (a volte anche scritto come T Rex o T-Rex), noti fino al 1970 con il nome di Tyrannosaurus Rex, sono stati un gruppo rock britannico fondato a Londra nel1967 da Marc Bolan. È considerato il gruppo che ha dato vita alla corrente del rock denominata glam rock. La band si sciolse definitivamente alla morte del suo fondatore, nel 1977.

Nella Gran Bretagna dei primi anni settanta, in termini di popolarità presso il pubblico giovane il gruppo era secondo solo ai Rolling Stones e a The Who[senza fonte]. Successivamente, a partire dal 1973, altre personalità di spicco della corrente, quali David Bowie e i Queen, iniziarono a mettere in ombra la band. Il repertorio dei T. Rex copre gran parte degli anni settanta fino all’avvento del punk rock. Il gruppo, infatti, sotto alcuni aspetti, può considerarsi tra i precursori del punk rock (proto-punk

https://it.wikipedia.org/wiki/T._Rex

T. Rex were an English rock band, formed in 1967 by singer-songwriter and guitarist Marc Bolan. The band formed as Tyrannosaurus Rex, releasing fourunderground acoustic albums under the name. Tony Visconti (their producer for several albums) claimed in a documentary on the band that he had taken to using the abbreviated term “T. Rex” as a shorthand, something that initially irritated Bolan, who gradually came around to the idea and officially shortened the band’s name to “T. Rex” at roughly the same time they started having big hits (shortly after going electric).

In the early to mid 1970s, the band reached huge success with fourteen top-20 UK glam rock hits: “Jeepster”, “Get It On”, “Ride a White Swan”, “Solid Gold Easy Action”, “Children of the Revolution”, “Hot Love”, “Telegram Sam”, “20th Century Boy”, “Debora”, “Teenage Dream”, “The Groover”, “New York City”, “I Love To Boogie” and “Metal Guru”. During this period the band also released six UK top-30 albums, including Electric Warrior, which hit the top of the album charts. In 1977, Bolan was killed in a car accident, and the band broke up.

https://en.wikipedia.org/wiki/T._Rex_(band)

Top Tracks for Buffalo Springfield


Buffalo Springfield furono un gruppo di folk-rock statunitense degli anni sessanta proveniente da Los Angeles formato da Neil Young, Stephen Stills, Richie Furay (poi Jim Messina), Bruce Palmer, Dewey Martin. Il gruppo ebbe vita breve: formatosi nel 1966, si sciolse due anni più tardi, nel 1968. I disaccordi personali fra Stills e Young, forti personalità musicali, uniti agli arresti per droga dei membri del gruppo e i continui cambi di formazione, furono probabilmente all’origine della precoce fine della band. Curiosamente Stills e Young si troveranno ancora a suonare insieme all’interno del gruppo CSN&Y, costituitosi un paio d’anni più tardi.

Nel corso della sua breve carriera il gruppo pubblicò solo tre album, ma numerosi nastri demo, outtakes, versioni alternative e registrazioni live dell’epoca, furono pubblicate in seguito nei decenni successivi.

Nonostante la breve vita della band, è riconosciuta essere una delle più influenti della sua epoca,[1][2] ed ha ricevuto riconoscimenti postumi dalla Rock and Roll Hall of Fame come formazione cruciale di quegli anni.[3]

http://it.wikipedia.org/wiki/Buffalo_Springfield

Buffalo Springfield was an American-Canadian rock band formed in 1966 whose members included Richie Furay, Stephen Stills, Neil Young, Dewey Martin, Bruce Palmer, Jim Messina, Ken Koblun, and Jim Fielder which combined rock, folk, and country music. The band released the classic 1960s protest song “For What It’s Worth.”

The band was plagued by infighting, drug-related arrests, and line-up changes that led to its disbanding after two years. Three albums were released under its name, but many demos, studio outtakes, and live recordings remained and were issued in the decades that followed.[1]

They were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1997.

http://en.wikipedia.org/wiki/Buffalo_Springfield

PJ Harvey


Polly Jean “PJ” Harvey (Yeovil, 9 ottobre 1969) è una cantautrice e musicista britannica.

https://it.wikipedia.org/wiki/PJ_Harvey

Polly Jean Harvey, MBE (born 9 October 1969), known as PJ Harvey, is an English musician, singer-songwriter, writer, poet, composer and occasional artist.Primarily known as a vocalist and guitarist, she is also proficient with a wide range of instruments including piano, organ, bass, saxophone, harmonica and, most recently, the autoharp.

Harvey began her career in 1988 when she joined local band Automatic Dlamini as a vocalist, guitarist, and saxophone player. The band’s frontman, John Parish, would become her long-term collaborator. In 1991, she formed an eponymous trio and subsequently began her professional career. The trio released two studio albums, Dry (1992) and Rid of Me (1993) before disbanding, after which Harvey continued as a solo artist. Since 1995, she has released a further six studio albums with collaborations from various musicians including John Parish, former bandmate Rob Ellis, Mick Harvey, and Eric Drew Feldman and has also worked extensively with record producer Flood.

Among the accolades she has received are the 2001 and 2011 Mercury Prize for Stories from the City, Stories from the Sea (2000) and Let England Shake (2011)[ respectively—the only artist to have been awarded the prize twice—eight Brit Award nominations, six Grammy Award nominations and two further Mercury Prize nominations. Rolling Stone awarded her 1992’s Best New Artist and Best Singer Songwriter and 1995’s Artist of the Year, and listed Rid of Me, To Bring You My Love (1995) and Stories from the City, Stories from the Sea on its 500 Greatest Albums of All Time list. In 2011, she was awarded for Outstanding Contribution To Music at the NME Awards.[10] In June 2013, she was awarded an MBE for services to music.

https://en.wikipedia.org/wiki/PJ_Harvey

Rod Stewart Greatest Hits (Full Album) – The Best Of Rod Stewart (HD/HQ Mp3)


[youtube https://www.youtube.com/watch?v=n7SeqcWBgo8]

Roderick David Stewart (Londra, 10 gennaio 1945) è un cantautore britannico.

Caratterizzato dalla sua graffiante voce, Rod Stewart è uno degli artisti di maggiore successo di tutti i tempi, avendo venduto oltre 200 milioni di dischi in tutto il mondo. In tutta la sua lunga carriera, Rod ha conquistato sei volte la prima posizione nella classifica degli album più venduti nel Regno Unito e 31 volte la top ten per quanto riguarda quella dei singoli. Egli ha avuto un grande successo anche in America, con 16 singoli entrati nella top ten della Billboard Hot 100., di cui quattro che hanno raggiunto il primo posto. Sempre in America, grazie al concerto gratuito del 31 dicembre 1994 davanti a oltre quattro milioni di spettatori sulla spiaggia di Copacabana, Stewart è entrato nel Guinness dei primati, diventando l’artista con maggiore pubblico a un proprio concerto dell’intera storia del rock. Nel 2007 è stato nominato CBE, Commendatore dell’Eccellentissimo Ordine dell’Impero Britannico (Commander of the Order of the British Empire) a Buckingham Palace per i meriti e il contributo dato alla musica.

Vincitore di numerosi prestigiosi premi, tra cui 1 Grammy Award nel 2005, 1 BRIT Awards nel 1993, 1 American Music Award nel 1994 e 2 World Music Award nel 1993 e nel 2001, nel 2008, la rivista Billboard lo ha posizionato al 17esimo posto nella classifica dei 100 artisti di maggior successo, mentre si trova alla posizione numero 59 nella classifica dei 100 maggiori cantanti di tutti i tempi, stilata dalla rivista Rolling Stone .[ Come artista solista, Stewart è stato inserito nella US Rock and Roll Hall of Fame nel 1994, nella UK Music Hall of Fame nel 2006 e una seconda volta nella US Rock and Roll Hall of Fame nel 2012, come membro del gruppo dei Faces. Infine, il suo nome è scritto anche sulla Hollywood Walk of Fame, a Hollywood.

https://it.wikipedia.org/wiki/Rod_Stewart

Roderick David “Rod” Stewart, CBE (born 10 January 1945) is a British rock singer-songwriter. Born and raised in London, he is of English and Scottish ancestry. Stewart is one of the best-selling music artists of all time, having sold over 100 million records worldwide.

He has had six consecutive number one albums in the UK, and his tally of 62 UK hit singles includes 31 that reached the top 10, six of which gained the number one position. He has had 16 top ten singles in the US, with four reaching number one on the Billboard Hot 100. In 2007, he received a CBE at Buckingham Palace for services to music.

With his distinctive raspy singing voice, Stewart came to prominence in the late 1960s and early 1970s with The Jeff Beck Group and then with Faces, though his music career had begun in 1962 when he took up busking with a harmonica. In October 1963 he joined the Dimensions as a harmonica player and part-time vocalist, then in 1964 he joined Long John Baldry and the All Stars. Later, in August 1964, he also signed a solo contract, releasing his first solo single, “Good Morning Little Schoolgirl”, in October of the same year. He maintained a solo career alongside a group career, releasing his debut solo album An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down (US: The Rod Stewart Album), in 1969. His early albums were a fusion of rock, folk music, soul music and R&B. His aggressive blues work with The Jeff Beck Group and the Faces influenced heavy metal genres. From the late 1970s through the 1990s, Stewart’s music often took on a new wave or soft rock/middle-of-the-road quality, and in the early 2000s he released a series of successful albums interpreting the Great American Songbook.

In 2008, Billboard magazine ranked him the 17th most successful artist on the “Billboard Hot 100 All-Time Top Artists”.[7] A Grammy and Brit Award recipient, he was voted at No. 33 in Q Magazine’s list of the top 100 Greatest Singers of all time, and No. 59 on Rolling Stone 100 Greatest Singers of all time.[9] As a solo artist, Stewart was inducted into the US Rock and Roll Hall of Fame in 1994, the UK Music Hall of Fame in 2006 and was inducted a second time into the US Rock and Roll Hall of Fame in 2012, as a member of the Faces.

https://en.wikipedia.org/wiki/Rod_Stewart

The best of Van Morrison



George Ivan “Van” Morrison (Belfast, 31 agosto 1945) è un cantante, polistrumentista e paroliere proveniente dall’Irlanda del Nord; suona diversi strumenti tra i quali chitarra, armonica a bocca, tastiere, sassofono e occasionalmente anche la batteria.

Dopo gli esordi blues rock con i Them, Morrison intraprese una carriera solista in bilico tra la passione giovanile per la musica nera, una forte vena sperimentale (che lo ha portato a sconfinare spesso in territori jazz) e uno stretto legame con la musica tradizionale della sua terra d’origine[1][2]. A rendere unico il suo stile contribuiscono la sua caratteristica vocalità[3] e una intensa poetica che abbraccia musica e parole in modo altamente espressivo.

La rivista Rolling Stone lo classifica quarantaduesimo nella sua lista dei cento migliori artisti di sempre[4] nonché ventiquattresimo in quella dei cento migliori cantanti[5]. Le sue esibizioni dal vivo, al suo meglio, sono state definite come mistiche e trascendenti.

Inoltre due suoi album, Astral Weeks e Moondance, compaiono nella lista dei 500 migliori album di sempre, ancora secondo Rolling Stone.

http://it.wikipedia.org/wiki/Van_Morrison

George Ivan “Van” Morrison, OBE (born 31 August 1945) is a Northern Irish singer-songwriter and musician. Some of his recordings, such as the studio albums Astral Weeks and Moondance and the live album It’s Too Late to Stop Now, are critically acclaimed. He has received six Grammy Awards, the Brit Award for Outstanding Contribution to Music, been inducted into both the Rock and Roll Hall of Fame and the Songwriters Hall of Fame.

Known as “Van the Man” to his fans, Morrison started his professional career when, as a teenager in the late 1950s, he played a variety of instruments including guitar, harmonica, keyboards and saxophone for various Irish showbands covering the popular hits of the day. He rose to prominence in the mid-1960s as the lead singer of the Northern Irish R&B band Them, with whom he recorded the garage band classic “Gloria”. His solo career began under the pop-hit oriented guidance of Bert Berns with the release of the hit single “Brown Eyed Girl” in 1967. After Berns’ death, Warner Bros. Records bought out his contract and allowed him three sessions to record Astral Weeks in 1968.[1] Even though this album would gradually garner high praise, it was initially a poor seller; however, the next one, Moondance, established Morrison as a major artist,[2] and throughout the 1970s he built on his reputation with a series of critically acclaimed albums and live performances. Morrison continues to record and tour, producing albums and live performances that sell well and are generally warmly received, sometimes collaborating with other artists, such as Georgie Fame and The Chieftains. In 2008 he performed Astral Weeks live for the first time since 1968.

Much of Morrison’s music is structured around the conventions of soul music and R&B, such as the popular singles “Brown Eyed Girl”, “Jackie Wilson Said (I’m in Heaven When You Smile)”, “Domino” and “Wild Night”. An equal part of his catalogue consists of lengthy, loosely connected, spiritually inspired musical journeys that show the influence of Celtic tradition, jazz, and stream-of-consciousness narrative, such as Astral Weeks and lesser-known works such as Veedon Fleece and Common One.[3][4] The two strains together are sometimes referred to as “Celtic Soul”

http://en.wikipedia.org/wiki/Van_Morrison

Jethro Tull – Aqualung [Full Album]


[youtube https://www.youtube.com/watch?v=wUEA5NWlQU0]

I Jethro Tull sono stati un gruppo rock progressivo originario di Blackpool, in Inghilterra, fondato nel 1967 dallo scozzese Ian Anderson (flauto traversopolistrumentista).
La formazione prende il nome dal pioniere della moderna agricoltura, l’agronomo Jethro Tull (1674-1741).
La loro musica è contraddistinta dalla presenza dominante del flauto traverso, suonato dal virtuoso leader Ian Scott Anderson.
Dopo un esordio all’insegna del richiamo al blues, i Jethro Tull hanno attraversato la storia del rock, sperimentando vari generi e stili, dal classico al folk rock, dal progressive al jazz rock al folk prodotto con strumentazioni acustiche.[1][2]
Hanno venduto più di 60 milioni di album in tutto il mondo[3].

Nel mese di aprile 2014 Anderson ha dichiarato che i “Jethro Tull” come band non esistono più e la volontà di lasciare l’eredità del nome continuando la sua carriera solista

https://it.wikipedia.org/wiki/Jethro_Tull_(gruppo_musicale)

Jethro Tull were a British rock group, formed in Luton, Bedfordshire, in December 1967.[1] Initially playing blues rock, the band’s sound soon incorporated elements of British folk music and hard rock to forge a progressive rock signature.[2] The band was led by vocalist/flautist/guitarist Ian Anderson, and have included other significant members such as guitarist Martin Barre, keyboardist John Evan, drummers Clive Bunker, Doane Perry, and Barriemore Barlow, and bassists Glen Cornick, Jeffrey Hammond, and Dave Pegg.

The group achieved commercial success in 1969, with the folk-tinged blues album Stand Up, which reached No. 1 in the UK charts, and they toured regularly in the UK and the US. Their musical style shifted in the direction of progressive rock with the albums Aqualung, Thick as a Brick and A Passion Play, and shifted again to hard rock mixed with folk rock with Songs from the Wood and Heavy Horses. Jethro Tull have sold over 60 million albums worldwide,[3] with 11 gold and five platinum albums among them.[4] They have been described by Rolling Stone as “one of the most commercially successful and eccentric progressive rock bands”.[5]

The last works released as a group were in 2003, though the band continued to tour until 2011. In April 2014, as he was concentrating on his solo career, Anderson said that Jethro Tull were finished

https://en.wikipedia.org/wiki/Jethro_Tull_(band)

Iron Butterfly – In-A-Gadda-Da-Vida (Full Album) *1968* HQ


Gli Iron Butterfly si formarono per la prima volta a San Diego nel 1965. Della formazione facevano parte il tastierista Doug Ingle, il bassista Jerry Penrod, il batterista Ron Bushy, il chitarrista Danny Weis e il cantante Darryl DeLoach. Tuttavia gran parte dei membri del gruppo (eccetto Bushy e Ingle) abbandonò la band nel 1967, alla fine delle registrazioni dell’album Heavy, che sarebbe stato pubblicato nel 1968 (riscuotendo comunque ottime recensioni da parte della critica) quando avevano già fatto il loro ingresso nella band il bassista Lee Dorman e il chitarrista Erik Brann, allora diciassettenne, molto più giovane rispetto agli altri membri del gruppo.

Con questa nuova formazione gli Iron Butterfly incisero un album intitolato In-A-Gadda-Da-Vida che inizialmente suscitò polemiche da parte dei discografici poiché la traccia omonima – che avrebbe occupato l’intero lato B dell’album – con i suoi 17:03 minuti sarebbe stata troppo lunga; la band fu costretta quindi a registrarne una versione priva di assoli. Dopo che il disco raggiunse un grande successo entrando anche nella Top 10, fu permesso al gruppo si inserire l’intero pezzo nell’LP. Nel 1969 il gruppo pubblicò il suo terzo album, Ball, che riscosse un successo minore rispetto al precedente.

L’anno seguente il gruppo vide l’abbandono del chitarrista Erik Brann, ma pubblicò comunque l’album Metamorphosis, con Larry “Rhino” Reinhardt e Mike Pinera alle chitarre. L’album si rivelò un insuccesso, dato che riuscì soltanto ad assicurarsi uno dei posti più bassi della Top 20 nazionale, e nel 1971 la band si sciolse per la prima volta.

Gli Iron Butterfly si riformarono nel 1974 a opera di due dei membri della precedente formazione, Brann e Bushy. Come bassista fu ingaggiato Philip Taylor Kramer mentre come tastierista venne assunto Howard Reitzes (sostituito successivamente da Bill DeMartinez). La band incise due album (Scorching Beauty e Sun and Steel) prima di risciogliersi nel 1976. Due anni dopo fallì dopo alcuni mesi il tentativo di riunire la band dato il fatto che fu trovato morto nella sua stanza d’albergo il bassista Keith Ellis, assunto all’interno del gruppo per l’occasione.

In seguito il gruppo si riformò nel 1988, per sciogliersi nel 1993, e infine si riunì per una seconda volta nel 1998 per mano di Dorman e Bushy. Attualmente gli Iron Butterfly stanno lavorando per un nuovo album

http://it.wikipedia.org/wiki/Iron_Butterfly

Iron Butterfly is an American psychedelic rock band best known for the 1968 hit “In-A-Gadda-Da-Vida”, providing a dramatic sound that led the way towards the development of hard rock music. Formed in San Diego, California among band members that used to be “arch enemies”, their heyday was the late 1960s, but the band has been reincarnated with various members with varying levels of success, with no new recordings since 1975. The band’s seminal 1968 album In-A-Gadda-Da-Vida is among the world’s 40 best-selling albums, selling more than 30 million copies.[2] Iron Butterfly is also notable for being the first group to receive an RIAA platinum award
The band formed in 1966 in San Diego, California.[4] The original members were Doug Ingle (vocals, organ), Jack Pinney (drums), Greg Willis (bass), and Danny Weis (guitar).[5] They were soon joined by tambourine player and vocalist Darryl DeLoach. DeLoach’s parents’ garage on Luna Avenue served as the site for their almost nightly rehearsals.

Jerry Penrod and Bruce Morse replaced Willis and Pinney after the band relocated to Los Angeles in 1966 and Ron Bushy then came aboard when Morse left due to a critical family tragedy[vague]. All but Ingle and Bushy left the band after recording their first album in late 1967; the remaining musicians, faced with the possibility of the record not being released, quickly found replacements in bassist Lee Dorman and guitarist Erik Brann (also known as “Erik Braunn” and “Erik Braun”) and resumed touring. In early 1968, their debut album Heavy was released after signing a deal with ATCO, an Atlantic Records subsidiary.

In terms of sound, the group took inspiration from a variety of sources outside of the rock arena, such as the bongo playing of Preston Epps and the r&b music of Booker T and the MGs. Around this time, the band notably ran into guitarist Jimmy Page, who stated that he used the group as partial inspiration for the name “Led Zeppelin”. As well, one of the Zeppelin’s first touring sets in the U.S. was playing with Iron Butterfly at Fillmore East in New York, New York.[3]

DeLoach subsequently recorded with Two Guitars, Piano, Drum and Darryl, while Weis and Penrod went on to form the group Rhinoceros. In 1970 DeLoach formed Flintwhistle along with Erik Brann; the band performed live for about a year before breaking up

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Pink Floyd – Hits (Full Album)


I Pink Floyd sono stati un gruppo musicale rock britannico formatosi nella seconda metà degli anni sessanta che, nel corso di una lunga e travagliata carriera, è riuscito a riscrivere le tendenze musicali della propria epoca, diventando uno dei gruppi più importanti della storia.[1][4]
Sebbene agli inizi si siano dedicati prevalentemente alla psichedelia[5] e allo space rock, il genere che meglio definisce l’opera dei Pink Floyd, caratterizzata da una coerente ricerca filosofica, esperimenti sonori, grafiche innovative e spettacolari concerti, è il rock progressivo.[5][6][7]
Nel 2008 si è stimato che abbiano venduto circa 250 milioni di dischi in tutto il mondo,[8][9] di cui 74,5 milioni nei soli Stati Uniti d’America.[10]
I Pink Floyd hanno influenzato considerevolmente la musica successiva, dai gruppi progressive degli anni settanta, come Genesis e Yes,[11] fino a musicisti contemporanei, come Nine Inch Nails,[12] Dream Theater e Porcupine Tree.[13]
Il gruppo, nato a Londra nel 1965,[14][15] viene fondato dal cantante e chitarrista Roger Keith “Syd” Barrett, dal bassista George Roger Waters, dal batterista Nicholas Berkeley “Nick” Mason e dal tastierista Richard William “Rick” Wright. Nel dicembre del 1967 si aggiunge al gruppo il chitarrista David Jon “Dave” Gilmour,[14][15] che si affianca e quindi si sostituisce definitivamente a Barrett, progressivamente emarginatosi dal gruppo a causa del pesante uso di droghe e di una forma di alienazione.
Il gruppo, dopo essersi fatto notare grazie a lavori di stampo psichedelico, raggiunge la maturità con Atom Heart Mother e Meddle, e si afferma a livello mondiale con The Dark Side of the Moon e i successivi album, tra cui Wish You Were Here, Animals e The Wall, che consegnano i quattro alla storia del rock.[16] La formazione non subisce sostanziali cambiamenti fino al 1985,[15] escludendo una parentesi di alcuni anni in cui Wright figura solo come turnista.[14] Nel 1985 Waters abbandona il gruppo e i membri rimanenti, dopo aver vinto la breve battaglia legale per stabilire a chi spettasse continuare a usare il nome “Pink Floyd”, pubblicano successivamente altri due album in studio: A Momentary Lapse of Reason e The Division Bell. La formazione cessa la propria attività nel 1995,[14] sciogliendosi definitivamente nel 2006, quando Gilmour nega ufficialmente la possibilità di una riunione.[17] Nel 2008, con la morte di Wright, si spengono di fatto le speranze dei fan di rivedere il gruppo dal vivo con tutti e quattro i componenti al completo. Tuttavia, il 5 luglio 2014 viene annunciata da Polly Samson, moglie di David Gilmour, la pubblicazione a ottobre dello stesso anno di un quindicesimo album in studio, The Endless River.
https://it.wikipedia.org/wiki/Pink_Floyd
Pink Floyd were an English rock band formed in London. They achieved international acclaim with their progressive and psychedelic music. Distinguished by their use of philosophical lyrics, sonic experimentation, extended compositions and elaborate live shows, they are one of the most commercially successful and musically influential groups in the history of popular music.
Pink Floyd were founded in 1965 by students Syd Barrett, Nick Mason, Roger Waters, and Richard Wright. They gained popularity performing in London’s underground music scene during the late 1960s, and under Barrett’s leadership released two charting singles and a successful debut album, The Piper at the Gates of Dawn (1967). David Gilmour joined as a fifth member in December 1967; Barrett left the band in April 1968 due to deteriorating mental health exacerbated by drug use. Waters became the band’s primary lyricist and, by the mid-1970s, their dominant songwriter, devising the concepts behind their critically and commercially successful albums The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977), The Wall (1979) and The Final Cut (1983).
Wright left Pink Floyd in 1979, followed by Waters in 1985, declaring it a “spent force”. Gilmour and Mason continued as Pink Floyd; Wright rejoined them as a session musician and, later, a band member. The three produced two more albums, A Momentary Lapse of Reason (1987) and The Division Bell (1994), and toured until 1994. After nearly two decades of acrimony, Pink Floyd reunited with Waters in 2005 for a performance at the global awareness event Live 8, but Gilmour and Waters have since stated they have no plans to reunite as a band again. Barrett died in 2006 and Wright in 2008. The final Pink Floyd studio album, The Endless River, recorded without Waters and based on material recorded in 1993–1994, was released in November 2014.
Pink Floyd were inducted into the US Rock and Roll Hall of Fame in 1996, and the UK Music Hall of Fame in 2005. By 2013, the band had sold more than 250 million records worldwide, including 75 million certified units in the United States.
https://en.wikipedia.org/wiki/Pink_Floyd

Leonard Cohen


[youtube https://youtu.be/IEVow6kr5nI?list=PL22135BF03C47D7CC]

Leonard Norman Cohen (Montréal, 21 settembre 1934) è un cantautore, poeta, scrittore e compositore canadese. È uno dei cantautori più celebri, influenti e apprezzati della storia della musica.

Nelle sue opere esplora temi come la religione, l’isolamento e la sessualità, ripiegando spesso sull’individuo. Vincitore di numerosi premi e onorificenze, è inserito nellaRock and Roll Hall of Fame, nella Canadian Songwriters Hall of Fame e nella Canadian Music Hall of Fame. È inoltre insignito del titolo di Compagno dell’Ordine del Canada, la più alta onorificenza concessa dal Canada. Nel 2011, ricevette il Premio Principe delle Asturie per la letteratura.

https://it.wikipedia.org/wiki/Leonard_Cohen

Leonard Norman Cohen, CC GOQ (born 21 September 1934) is a Canadian singer, songwriter, musician, painter, poet, and novelist. His work has explored religion, politics, isolation, sexuality, and personal relationships. Cohen has been inducted into both the Canadian Music Hall of Fame and the Canadian Songwriters Hall of Fame as well as the American Rock and Roll Hall of Fame. He is also a Companion of the Order of Canada, the nation’s highest civilian honor. In 2011, Cohen received aPrincess of Asturias Awards for literature.

The critic Bruce Eder assessed Cohen’s overall career in popular music by asserting that “[he is] one of the most fascinating and enigmatic … singer/songwriters of the late ’60s … [and] has retained an audience across four decades of music-making…. Second only to Bob Dylan (and perhaps Paul Simon) [in terms of influence], he commands the attention of critics and younger musicians more firmly than any other musical figure from the 1960s who is still working at the outset of the 21st century.”

One of his notable novels, Beautiful Losers (1966) received attention from the Canadian press and was considered controversial because of a number of sexually graphic passages.[4] The Academy of American Poets has commented more broadly on Cohen’s overall career in the arts, including his work as a poet, novelist, and songwriter, stating that “Cohen’s successful blending of poetry, fiction, and music is made most clear in Stranger Music: Selected Poems and Songs, published in 1993, which gathered more than 200 of Cohen’s poems … several novel excerpts, and almost 60 song lyrics… While it may seem to some that Leonard Cohen departed from the literary in pursuit of the musical, his fans continue to embrace him as a Renaissance man who straddles the elusive artistic borderlines.”

Cohen’s first album was Songs of Leonard Cohen (1967) followed by Songs from a Room (1969) (featuring the often-recorded “Bird on the Wire”) and Songs of Love and Hate (1971). His 1977 record Death of a Ladies’ Man was co-written and produced by Phil Spector, which was a move away from Cohen’s previous minimalist sound. In 1979 Cohen returned with the more traditional Recent Songs, which blended his acoustic style with jazz and Oriental and Mediterranean influences. “Hallelujah” was first released on Cohen’s studio album Various Positions in 1984. I’m Your Man in 1988 marked Cohen’s turn to synthesized productions and remains his most popular album. In 1992 Cohen released its follow-up, The Future, which had dark lyrics and references to political and social unrest. Cohen returned to music in 2001 with the release ofTen New Songs, which was a major hit in Canada and Europe. In 2006 Cohen produced and co-wrote Blue Alert, a collaboration with jazz chanteuse Anjani Thomas. After the success of his 2008–13 world tours, Cohen released the highest charting album in his entire career, Old Ideas, to positive reviews. On 22 September 2014, one day after his 80th birthday, Cohen released his 13th studio album, Popular Problems, again to positive reviews.

https://en.wikipedia.org/wiki/Leonard_Cohen

Antony & The Johnsons


Gli Antony and the Johnsons sono un gruppo musicale di New York.
Nato in Inghilterra, a Chichester, West Sussex nel 1971, Antony Hegarty si trasferì ad Amsterdam nel 1977 per 18 mesi prima di sistemarsi a San José
(California) nel 1981. Negli Stati Uniti frequenta una scuola cattolica dove fa parte del coro. Al suo 11º compleanno gli viene regalata una tastiera Casio e si cimenta con le canzoni dei Soft Cell, Kate Bush e Yazoo. Da adolescente fu influenzato dal synth pop britannico, in particolare da cantanti come Marc Almond e Boy George. Attratto dal palcoscenico, frequenta la School for the Performing Arts di San José e l’Università della California a Santa Cruz. All’età di 18 anni mette in scena le prime performance, ispirate a John Waters e all’icona-guru Divine. Attratto dal mondo newyorchese degli anni ottanta, ispirato anche da personaggi come Joey Arias che cantava A Hard Day’s Night vestito da Billie Holiday, si trasferisce nella grande mela. Il “Mondo di New York” risulta essere più consono alla sua sensibilità artistica e alla sua ricerca espressiva incentrata sul tema dell’identità.

Nel 1990 Antony entra nella dimensione che più sente appartenergli, impersonando una drag queen ed esibendosi al Pyramid Club in guêpière, testa rasata e sigaretta fra le dita. Antony (con gli altri componenti del gruppo, i Blacklips) scrive scenari, canzoni, arrangiamenti ed entra in scena in tarda notte come Fiona Blue, drag queen e archetipo androgino ispirato da Klaus Nomi, Leigh Bowery e Diamanda Galas. Nello stesso periodo Antony si laurea in Teatro Sperimentale.

Nel 1995 Antony decide di dedicarsi completamente alla musica, dai Blacklips appena sciolti chiama il batterista Todd Cohen, che insieme a Joan Wasser e Maxim Moston ai violini, Jeff Langston al basso elettrico, Jason Hart al piano e Michele Schifferle ospite al violoncello, formano l’orchestra artefice dei raffinati arrangiamenti delle sue composizioni. Nascono così Antony and the Johnsons, nome ispirato a Marsha P. Johnson, il travestito newyorchese che nel 1970 fondò la casa di accoglienza per travestiti STAR, la cui tragica fine nel fiume Hudson sarà evocata in River Of Sorrow.

https://it.wikipedia.org/wiki/Antony_and_the_Johnsons
Antony and the Johnsons is a music group presenting the work of Antony Hegarty and her collaborators.

British experimental musician David Tibet of Current 93 heard a demo and offered to release Antony’s music through his Durtro label. Antony started the band, its name inspired by the transgender rights activist Marsha P. Johnson.[3] The debut album, Antony and the Johnsons, was released in 1998. In 2001, Hegarty released a short follow-up EP, I Fell in Love with a Dead Boy, which, in addition to the title track, included a cover of “Mysteries of Love”, a David Lynch/Angelo Badalamenti song and “Soft Black Stars”, a Current 93 cover.

Producer Hal Willner heard the EP and played it to Lou Reed, who immediately recruited Hegarty for his project The Raven. Now gaining more attention, Hegarty signed to US-based record label Secretly Canadian, and released another EP, The Lake, with Lou Reed guest-performing on one of the tracks. Secretly Canadian also re-released Hegarty’s debut album in the United States to wider distribution in 2004.

Antony’s second full-length album, 2005’s I Am a Bird Now, was greeted with positive reviews and significantly more mainstream attention. The album featured guest appearances by Lou Reed, Rufus Wainwright, Boy George and Devendra Banhart, and circled themes of duality and transformation. I Am a Bird Now featured arrangements by Maxim Moston and Julia Kent and was mixed by Doug Henderson. In September 2005 Antony and the Johnsons were awarded the Mercury Prize or the best UK album of 2005. Rival Mercury nominees, and favorites for the prize, the Kaiser Chiefs suggested that Antony got in on a technicality; despite the fact she was born in the United Kingdom she spent much of her time in the US – although they later apologized for the suggestion that she wasn’t a deserving winner.
https://en.wikipedia.org/wiki/Antony_and_the_Johnsons

Mahavishnu Orchestra – 1971 Inner Mounting Flame


Costituitasi nel 1971 e disciolta nel 1976, la Mahavishnu Orchestra fu creata dal chitarrista John McLaughlin e dal batterista Billy Cobham, entrambi riconosciuti come strumentisti di valore assoluto, e chiamati nel corso del tempo a collaborare ad esperienze musicali di grande valore da maestri come Miles Davis.

Fu un gruppo jazz-rock dal grande successo artistico e commerciale nel corso della sua pur breve storia gratificata dalla presenza nella formazione di talenti di eccelsa caratura. Il genio musicale di John McLaughlin non si manifestò solo nelle composizioni, ma anche nell’arrangiamento. Molte persone al primo approccio con il disco The Inner Mounting Flame rimasero sconvolte dal linguaggio musicale “diverso” da tutti i dischi precedenti. I primi due album sono dei capolavori che consacrano per sempre la prima formazione come uno dei gruppi più innovativi della storia della musica. Gli assoli intrecciati di violino, chitarra, tastiere; la qualità e pulizia della equalizzazione; le invenzioni di Cobham e le linee di basso solide di Laird furono caratteristiche predominanti dei primi due dischi. La potenza tecnica ed il feeling della band ne fecero uno dei gruppi di riferimento del genere fusion. Nel 2005 è stato pubblicato il libro Power, Passion and Beauty: The Story of the Legendary Mahavishnu Orchestra che racconta la storia del gruppo.

https://it.wikipedia.org/wiki/Mahavishnu_Orchestra

The Mahavishnu Orchestra was a jazz-rock fusion group led by John McLaughlin, active during 1971–1976 and again in 1984–1987 after major line-up changes.

https://en.wikipedia.org/wiki/Mahavishnu_Orchestra

THE END OF AN EAR – ROBERT WYATT (1970)


Robert Wyatt, pseudonimo di Robert Ellidge (Bristol, 28 gennaio 1945), è un batterista, cantante, tastierista, compositore e percussionista inglese. È stato membro fondatore dei Soft Machine, una delle band più importanti del progressive rock e pioniera del movimento musicale noto come scena di Canterbury. Ha partecipato ai primi quattro album del gruppo, lasciandolo nell’agosto del 1971 per fondare i Matching Mole, altra band della scena di Canterbury.

Oltre che per il suo talento come strumentista e compositore, è noto per le originali sonorità che riesce ad ottenere con la voce, che ne fanno uno dei cantanti più originali ed ammirati nel panorama della musica contemporanea.[1] Nel percorso che lo ha portato ad affinare le sue doti vocali, Wyatt si è ispirato al jazz, fonte principale della sua educazione musicale nonché sua grande passione, ma non si definisce un musicista jazz, ritenendo che questa etichetta sia riservata agli artisti cresciuti a contatto con la comunità afroamericana.[3]

In seguito ad un incidente occorsogli il 1º giugno 1973, è rimasto paralizzato dalla vita in giù; da quel momento ha condotto una vita più ritirata, dedicandosi alla sperimentazione e alla ricerca musicale nelle opere da solista, alla collaborazione con altri artisti, alla promozione di giovani talenti e all’impegno politico.

https://it.wikipedia.org/wiki/Robert_Wyatt
Robert Wyatt (born Robert Wyatt-Ellidge, 28 January 1945) is an English musician, and founding member of the influential Canterbury scene band Soft Machine,[1] with a long and distinguished solo career. He is married to English painter and songwriter Alfreda Benge.

https://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Wyatt

David Crosby – The Alternate ‘Remember My Name’ Album


David Van Cortlandt Crosby (Los Angeles, 14 agosto 1941[1]) è un chitarrista e cantautore statunitense, inserito per due volte nella Rock and Roll Hall of Fame, nel 1991 assieme agli altri membri dei Byrds[2] e nel 1997 assieme a Stephen Stills e Graham Nash.

David Crosby è figlio di Floyd Crosby, un apprezzato direttore della fotografia statunitense. Inizialmente frequentò una scuola di arte drammatica, che però lasciò per intraprendere la carriera di musicista e inserirsi nell’ambiente del Greenwich Village. Fu membro dei Les Baxter Balladeers ai quali aveva partecipato anche Bob Dylan. La sua prima sessione da solista risale al 1963.

http://it.wikipedia.org/wiki/David_Crosby

David Van Cortlandt Crosby (born August 14, 1941) is an American guitarist, singer, and songwriter. In addition to his solo career, he was a founding member of three bands: The Byrds; Crosby, Stills & Nash (CSN, who are sometimes joined by Neil Young as Crosby, Stills, Nash and Young [CSNY]); and CPR.

Crosby has been depicted as emblematic of the counterculture.[2][3][4]

Musically, he wrote or co-wrote Lady Friend, Why, and Eight Miles High with the Byrds and Guinnevere, Wooden Ships, Shadow Captain, and In My Dreams with Crosby, Stills & Nash. He wrote Almost Cut My Hair, and the title track Déjà Vu for Crosby, Stills, Nash & Young‘s 1970 debut. He is known for his use of alternate tuning, and jazz influence (notably on Eight Miles High, Wooden Ships, Déjà Vu and with his group CPR).

Crosby has been inducted into the Rock and Roll Hall of Fame twice: once for his work in The Byrds and once for his work with CSN.

David Crosby was born in Los Angeles, California. His parents were Aliph Van Cortlandt Whitehead (a descendent of the prominent Van Cortlandt family) and Floyd Crosby, an Academy Award–winning cinematographer and descendent of the Van Rensselaer family.[5] He is also the younger brother of musician Ethan Crosby. Growing up in California, he attended several schools, including the University Elementary School in Los Angeles, the Crane Country Day School in Montecito, andLaguna Blanca School in Santa Barbara for the rest of his elementary school and junior high.[6] At Crane, he starred in HMS Pinafore and other musicals but was asked not to return due to lack of academic progress. He graduated from the Cate School in Carpinteria, completing his studies by correspondence. In 1960, his parents divorced, and his father remarried Betty Andrews Crosby.

Crosby also attended Santa Barbara City College.[6] Originally, he was a drama student, but dropped out to pursue a career in music. He moved toward the same Greenwich Village scene (as a member of the Les Baxter‘s Balladeers) in which Bob Dylan participated, and even shared a mentor of Bob Dylan‘s in local scene favorite Fred Neil. With the help of producer Jim Dickson, Crosby recorded his first solo session in 1963.

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Best songs of The Cure || The Cure’s Greatest Hits


The Cure è un gruppo musicale post-punk inglese, i cui esordi risalgono al 1976, in piena esplosione new wave (in compagnia di gruppi come Siouxsie and the Banshees, Joy Division, Echo and the Bunnymen). La band, la cui formazione è variata più o meno regolarmente nel corso degli anni, comprendendo da un minimo di due fino ad un massimo di sei membri, ha raggiunto l’apice del successo tra la metà e la fine degli anni ottanta (soprattutto con i singoli Close to Me e Lullaby, tratti, rispettivamente, dai due album The Head on the Door del 1985 e Disintegration del 1989). Robert Smith, il cantante, chitarrista, autore dei testi e compositore di quasi tutte le musiche, nonché fondatore del gruppo, è l’unico membro ad averne sempre fatto parte dagli esordi ad oggi.

Al luglio 2008, i Cure avevano venduto circa 28 milioni di dischi. L’album più venduto è la raccolta di successi Standing on a Beach – The Singles 1978-1985[3] del 1986, che solo in America ha venduto più di due milioni di copie.[4] Tra Regno Unito, Stati Uniti d’America e Italia, i Cure hanno avuto nella Top Ten 12 album (posizioni più alte: UK: Wish, numero 1; USA: Wish, numero 2; Italia: The Cure, numero 2) e 11 singoli (posizioni più alte: UK: Lullaby, numero 5; USA: Lovesong, numero 2, Italia: High, numero 2).[5]

https://it.wikipedia.org/wiki/The_Cure
The Cure are an English rock band formed in Crawley, West Sussex, in 1976. The band has experienced several line-up changes, with vocalist, guitarist and principal songwriter Robert Smith being the only constant member. The Cure first began releasing music in the late 1970s with their debut album Three Imaginary Boys. Their second single, “Boys Don’t Cry”, became a hit; this, along with several early singles, placed the band as part of the post-punk and new wave movements that had sprung up in the wake of the punk rock revolution in the United Kingdom. During the early 1980s, the band’s increasingly dark and tormented music was a staple of the emerging gothic rock genre.

After the release of 1982’s Pornography, the band’s future was uncertain and Smith was keen to move past the gloomy reputation his band had acquired. With the single “Let’s Go to Bed” released the same year, Smith began to place a pop sensibility into the band’s music and their popularity increased as the decade wore on, with songs like “Just Like Heaven”, “Lovesong” and “Friday I’m in Love”. The band is estimated to have sold 27 million albums as of 2004 and have released thirteen studio albums, ten EPs and over thirty singles during their career.

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Cure

Sex Pistols


[youtube https://youtu.be/qbmWs6Jf5dc?list=PLFAA6FE26CA5246AC]

I Sex Pistols sono stati uno dei più influenti gruppi punk rock britannici e una grande icona della prima ondata punk.

L’inizio del gruppo, originariamente composto dal cantante Johnny Rotten, dal chitarrista Steve Jones, dal batterista Paul Cook e dal bassista Glen Matlock, poi sostituito da Sid Vicious, risale al 1975, a Londra. Anche se la loro carriera durò solo tre anni, pubblicando solo quattro singoli discografici e un album in studio, i Sex Pistols vennero descritti dalla BBC come «la sola punk rock band inglese». Il gruppo è spesso indicato come il fondatore del movimento punk britannico[3] e il creatore del primo divario generazionale con il rock ‘n’ roll.

I Sex Pistols emersero come risposta a ciò che era sempre visto come più eccessivo, come il rock progressivo e le produzioni pop della metà degli anni settanta. Il gruppo creò molte controversie durante la sua breve carriera, attirando l’attenzione su di sé,ma mettendo spesso in secondo piano la musica.[7] I loro show e i loro tour erano ripetutamente ostacolati dalle autorità, e le loro apparizioni pubbliche spesso finivano disastrosamente. Il singolo del 1977 God Save the Queen, pubblicato appositamente durante il giubileo d’argento della regina d’Inghilterra, è stato considerato un attacco alla monarchia e al nazionalismo degli inglesi.

Johnny Rotten lasciò il gruppo nel 1978, durante un turbolento tour negli Stati Uniti; il trio rimasto continuò fino alla fine dell’anno, ma si sciolse all’inizio del 1979. Con Lydon il gruppo organizza un concerto nel 1996 per il Filthy Lucre Tour (“Tour a scopo di lucro”, traducibile anche in “Tour per il lurido guadagno”), anche se senza Sid Vicious, morto di overdose nel 1979 a soli 21 anni.

https://it.wikipedia.org/wiki/Sex_Pistols

The Sex Pistols were an English punk rock band formed in London in 1975. Although they lasted just two-and-a-half years and produced only four singles and one studio album, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols, they were one of the most influential acts in the history of popular music,[1][2] initiated a punk movement in the United Kingdom, and inspired many later punk and alternative rock musicians. The first incarnation of the Sex Pistols included singer John Lydon, lead guitarist Steve Jones, drummer Paul Cook and bass player Glen Matlock. Matlock was replaced by Sid Vicious early in 1977. Under the management ofMalcolm McLaren, a visual artist, performer, clothes designer and boutique owner, the band provoked controversies that garnered a significant amount of publicity. Their concerts repeatedly faced difficulties with organisers and local authorities, and public appearances often ended in mayhem. Their 1977 single “God Save the Queen”, attacking social conformity and deference to the Crown, precipitated the “last and greatest outbreak of pop-based moral pandemonium”. Other subjects addressed in their frequently obscene lyrics included the music industry, consumerism, abortion, and the Holocaust.

In January 1978, at the end of a turbulent tour of the United States, Rotten left the Sex Pistols and announced its break-up. Over the next several months, the three other band members recorded songs for McLaren’s film version of the Sex Pistols’ story, The Great Rock ‘n’ Roll Swindle. Vicious died of a heroin overdose in February 1979. In 1996, Rotten, Jones, Cook and Matlock reunited for the Filthy Lucre Tour; since 2002, they have staged further reunion shows and tours. On 24 February 2006, the Sex Pistols—the four original, surviving members and Sid Vicious—were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame, but they refused to attend the ceremony, calling the museum “a piss stain”

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Curved Air — phantasmagoria — 1972


I Curved Air sono un gruppo pionieristico britannico di rock progressive costituitosi nel 1969.
Il gruppo è stata una evoluzione della band Sisyphus,[3] e il suo nome è stato preso dall’album A Rainbow in Curved Air di Terry Riley. I musicisti provenivano da esperienze artistiche molto diverse, come musica classica, musica folk e musica elettronica, che portarono a una miscela di rock progressive, folk rock e fusion con elementi classici. Assieme a High Tide, It’s a Beautiful Day e East of Eden, i Curved Air sono stati una delle prime rock band ad usare un violino.

La prima formazione era composta da:

Francis Monkman – (tastiere, chitarra)

Darryl Way – (violino elettrico, voce)

Sonja Kristina Linwood – (voce)

Florian Pilkington-Miksa – (batteria)

Rob Martin (basso).

Durante la vita della band vi sono state continue sostituzioni dei membri, il che ha costituito un grosso handicap. Già nel secondo album Ian Eyre (basso) prende il posto di Rob Martin e nel terzo viene a sua volta sostituito da Mike Wedgwood. Dopo la registrazione abbandonano Darryl Way, Francis Monkman e Florian Pilkington-Miksa, lasciando praticamente sola Sonja Kristina che ingaggia il batterista Jim Russell, Kirby Gregory (chitarra) ed Eddie Jobson (sint.) con i quali incide “Air Cut”, ma nel luglio 1973, dopo il disco, la band si scioglie di nuovo. Se ne riparla nell’autunno del 1974, con una riunione dei membri originali per dei concerti nei college inglesi (vedi album “Live”). Il tour non è privo di problemi, a causa di altri impegni di alcuni membri della band, e così, finito questo, altro scioglimento del gruppo. Restano Kristina e Darryl Way che reclutano nuovi musicisti, tra cui Tony Reeves. Kristina, che aveva fatto parte anche del cast inglese di Hair, è stata praticamente l’unico membro dei Curved Air sempre presente.

L’album di debutto del 1970, Airconditioning, raggiunse la posizione numero 8 nella UK Albums Chart[4], restando 21 settimane in classifica, ed è stato uno dei primi picture disc in vinile ad essere pubblicato. Second Album raggiunse la posizione numero 11, mentre il loro terzo album, Phantasmagoria raggiunse la numero 20.

Il singolo di maggior successo della band è stato “Back Street Luv”, che raggiunse la posizione numero 4 nella UK Singles Chart) (12 settimane in classifica).

Dopo il 1972 non ebbero comunque più successi da classifica. Nel 1976 il gruppo si scioglie ufficialmente, dando il concerto di addio il 23 dicembre di quell’anno[7]. Vi furono alcuni tentativi di ricostituirlo, ma fallirono.

Il batterista dell’esibizione del 1971 al Beat Club della TV tedesca, dove hanno eseguito Back Street Luv, è stato il sessionman Barry de Souza (Lou Reed, Jeff Beck, Kate Bush), che è morto recentemente di cancro.

https://it.wikipedia.org/wiki/Curved_Air

Curved Air are a pioneering British progressive rock group formed in 1970 by musicians from mixed artistic backgrounds, including classical, folk, and electronic sound. The resulting sound of the band was a mixture of progressive rock, folk rock, and fusion with classical elements. Along with High Tide and East of Eden, Curved Air were one of the first rock bands after It’s a Beautiful Day and the United States of America to feature a violin. Considered (according to AllMusic) “one of the most dramatically accomplished of all the bands lumped into Britain’s late-’60s prog explosion”, Curved Air released eight studio albums (the first three of which broke the UK Top 20) and had a hit single with “Back Street Luv” (1971) which reached number 4 in the UK Singles Chart.

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Devo


I Devo sono un gruppo musicale statunitense formatosi ad Akron (Ohio) nel 1972.

Il loro stile musicale è stato classificato come punk, art rock o post-punk, ma sono per lo più ricordati come una delle band-simbolo della New wave. Sono oggi considerati dalla critica un gruppo fondamentale per l’evoluzione del rock contemporaneo.

Il gruppo viene fondato da Gerald Casale, Bob Lewis e Mark Mothersbaugh, nel 1972.

Il nome “Devo” viene dal termine “de-evolution” (de-evoluzione), teoria secondo cui l’umanità, invece che continuare ad evolversi, avrebbe cominciato a regredire, come dimostrerebbero le disfunzioni e la mentalità gretta della società americana. Tale teoria era frutto di uno scherzo di Casale e Lewis, nato nella fine degli anni sessanta, quando i due frequentavano la Kent State University.

La prima formazione prevedeva sei componenti: i fratelli Gerald e Bob Casale (basso e voce il primo, chitarra, tastiere e cori il secondo), Bob Lewis (chitarra), Mark Mothersbaugh (voce, sintetizzatori e chitarra), Rod Reisman (batteria) e Fred Weber (voce). La loro prima performance avviene nel 1973 al Performing Arts Festival della Kent State University.[6] Dopo questa prima esibizione, il gruppo abbandona Reisman e Weber, e ingaggia Jim Mothersbaugh alla batteria elettronica e Bob Mothersbaugh alla chitarra, entrambi fratelli di Mark. Negli anni a venire, il gruppo passerà attraverso cambi di formazione, che vedono, tra gli altri, l’abbandono di Jim Mothersbaugh, ed esibizioni dal vivo conflittuali.

Nel 1976 viene reclutato il batterista Alan Myers alla batteria, che sancisce una formazione solida che durerà dieci anni circa.

Lo stile del gruppo, ironico, pungente, irriverente e critico nei confronti della società moderna, inserito in un contesto estetico che rimanda a una sorta di fantascienza al limite del kitsch, gli fa guadagnare la simpatia di artisti noti come Neil Young e David Bowie, nonché apparizioni in film dei quali Mark Mothersbaugh curerà la colonna sonora. Il gruppo sarà anche pioniere nell’uso del videoclip, il più noto dei quali, Whip It, godrà di una massiccia presenza nei primi mesi di vita di MTV.

Nel 1977, grazie anche a Bowie e Iggy Pop, ottengono un contratto con la Warner Bros. Il loro primo album, Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! viene prodotto nientemeno che da Brian Eno. L’anno successivo sono ospiti del Saturday Night Live, dove si esibiranno in una cover di (I Can’t Get No) Satisfaction dei Rolling Stones.

Nel 1984, lo scarso successo commerciale del sesto album Shout e l’abbandono del batterista Myers, costringono il gruppo a rinunciare al tour di promozione, con conseguente pausa delle attività. Nel frattempo, Mark Mothersbaugh si diletta nella produzione di musica per la televisione, nonché di un progetto solista, Musik for Insomniaks.

Nel 1987 il gruppo si riforma con un nuovo batterista, David Kendrick, precedentemente con gli Sparks. L’anno successivo esce Total Devo, che contiene brani che compariranno in alcuni B movie come Slaughterhouse Rock e The Tapeheads, con John Cusack e Tim Robbins.

Nel 1990 esce Smooth Noodle Maps, che non raccoglie grandi consensi di pubblico e critica, e l’anno successivo il gruppo si scioglie nuovamente. Successivamente, Mark Mothersbaugh fonda uno studio di registrazione per produzioni musicali commerciali, il Mutato Muzika, insieme col fratello Bob e Bob Casale. Lo studio lavora principalmente per produzioni televisive come sigle, programmi, cartoni animati, videogame e film, tra cui alcuni di Wes Anderson. Nel frattempo, Gerald Casale intraprende una carriera come regista di spot pubblicitari e video musicali, per gruppi come Rush, Silverchair e Foo Fighters.

Nel 1995 il gruppo appare nella colonna sonora del film Tank Girl, e l’anno successivo si esibisce al Sundance Film Festival e al Lollapalooza proponendo alcuni classici del periodo tra il 1978 e il 1982.

Pur non pubblicando album fino al 2010, il gruppo produce una serie di singoli per compilation, produzioni televisive, spot pubblicitari per aziende come Dell e la multinazionale Target.

Nel 2006 collaborano con la Disney per un progetto chiamato Devo 2.0, un gruppo composto da bambini che suonano classici dei Devo.

Nel 2008 l’azienda McDonald’s propone un personaggio in omaggio che indossa l’Energy dome, il tipico copricapo dei Devo in plastica rossa a forma di ziqqurat circolare. Il gruppo intenterà una causa alla multinazionale, che successivamente alcuni blog riporteranno come “amichevolmente risolta”.

Nel 2010 esce il loro ultimo album Something for Everybody, a vent’anni dal precedente.

Nel 2013 il loro ex batterista Alan Myers muore a causa di un tumore cerebrale.

Il 17 febbraio 2014 muore improvvisamente Bob Casale, membro fondatore del gruppo, per arresto cardiaco.

https://it.wikipedia.org/wiki/Devo
Devo (/ˈdiːvoʊ/, originally /diːˈvoʊ/) is an American rock band formed in 1972, consisting of members from Kent and Akron, Ohio. The classic line-up of the band included two sets of brothers, the Mothersbaughs (Mark and Bob) and the Casales (Gerald and Bob), along with Alan Myers. The band had a No. 14 Billboard chart hit in 1980 with the single “Whip It”, and has maintained a cult following throughout its existence.

Devo’s style, over time, has shifted between punk, art rock, post-punk and new wave. Their music and stage show mingle kitsch science fiction themes, deadpan surrealist humor, and mordantly satirical social commentary. Their often discordant pop songs feature unusual synthetic instrumentation and time signatures that have proven influential on subsequent popular music, particularly new wave, industrial and alternative rock artists. Devo was also a pioneer of the music video, creating many memorable clips for the LaserDisc format, with “Whip It” getting heavy airplay in the early days of MTV.

https://en.wikipedia.org/wiki/Devo

Best of Little Feat


[youtube https://www.youtube.com/watch?v=y0WeIOxZdnw&list=PLfglF4thZmZdWAAvs4fbIPrMnlZAZ_176]

Little Feat è un gruppo rock statunitense formato nel 1969 dal cantautore, cantante e chitarrista Lowell George e dal tastierista Bill Payne a Los Angeles. Il gruppo si sciolse nel 1979, prima della morte di George, e si riformò nove anni dopo[1]. Nella loro musica coesistono influenze blues, R&B, country, funk e rock and roll[1 

Lowell George incontrò Payne quando George era un membro dei Mothers of Invention di Frank Zappa. Payne fece un’audizione per i Mothers, ma non s’unì al gruppo. A loro si affiancarono l’ex bassista dei Mothers Roy Estrada e il batterista Richie Hayward della band precedente di George, The Factory. Il nome del complesso fu preso da un commento fatto dal batterista dei Mothers Jimmy Carl Black sui “little feet” (piedi piccoli) di Lowell.

Ci sono tre aneddoti sulla nascita dei Little Feat. Uno è che George presentò a Frank Zappa la sua canzone Willin’, e che Zappa lo licenziò dai Mothers perché sentì che George aveva troppo talento per esser semplicemente un membro del gruppo, e gli disse di formarsi una sua propria band. La seconda versione è che Zappa lo licenziò per aver suonato un assolo di chitarra per 15 minuti con l’amplificatore spento! La terza versione dice che Zappa lo allontanò perché Willin’ conteneva riferimenti alla droga. Ironicamente, quando Willin’ fu incisa per il primo, eponimo album dei Little Feat, George si ferì alla mano e non poté suonare, così Ry Cooder lo rimpiazzò e suonò la sua parte. Ciò fu una ragione perchéWillin’ venne re-incisa e inclusa nel loro secondo album Sailin’ Shoes. Quest’ultimo è stato anche il primo disco dei Little Feat a contenere disegni di copertina di Neon Park, che disegnò quella di Weasels Ripped My Flesh di Zappa.

I primi due album, Little Feat e Sailin’ Shoes, ricevettero un’acclamazione quasi unanime. La canzone di George Willin’ divenne un punto di riferimento, resa poi popolare dalla sua inclusione nell’album Heart Like a Wheel di Linda Ronstadt

La mancanza di successo commerciale portò comunque alla divisione del gruppo, con Estrada che se ne andò per unirsi alla Magic Band di Captain Beefheart. Nel 1972 i Little Feat si riformarono, con il bassista Kenny Gradney a sostituire Estrada. La band aggiunse anche un altro chitarrista/cantante, Paul Barrere, e il percussionista Sam Clayton. Questa nuova formazione cambiò radicalmente il sound del complesso, virando verso il New Orleans funk. Il gruppo proseguì registrando Dixie Chicken (1973) uno dei loro album più conosciuti, che includeva influenze e stili musicali di New Orleans, come pure Feats Don’t Fail Me Now (1974), che era un tentativo in studio di catturare parte dell’energia dei loro concerti dal vivo. I membri dei Rolling Stones e dei Led Zeppelin erano tra i fan fedeli dei Feat, dando prova della loro influenza musicale. Mick Taylor, ad esempio, può essere ascoltato come ospite in Waiting for Columbus. Lowell George era rispettato per il suo genio idiosincratico, per creare melodie e testi sofisticati, e per il suo alto standard di produzione. Però egli è probabilmente ricordato di più per il suo esuberante, unico, slide style, caratterizzato da linee di legato sostenute, cristalline. La sua voce calda, espressiva ha influenzato molti artisti.

L’uscita di The Last Record Album nel 1975 segna un altro cambiamento nelle sonorità dei Little Feat, con Barrere e Payne che cominciarono ad interessarsi al jazz-rock. Da questo album, la canzone All That You Dream fu utilizzata nell’ultima scena della serie TV The Sopranos. Il loro jazz venne in seguito esteso in Time Loves a Hero del 1977. Prima dell’incisione di The Last Record Album, il batterista Ritchie Hayward ebbe un incidente motociclistico e la copertina del LP venne illustrata da copie dei suoi numerosi conti ospedalieri.

Lowell George continuò a produrre gli album, ma il suo contributo di cantautore diminuì quando il gruppo passò al jazz fusion. Nell’agosto 1977 i Little Feat registrarono un album live di successi al Rainbow Theatre di Londra e all’auditorium Lisner di Washington. Waiting for Columbus è considerato da numerosi critici musicali uno dei migliori dischi dal vivo di tutti i tempi; uscì nel 1978, anno da cui divenne chiaro che l’interesse di George per la band stava calando, come anche la sua salute. George lavorò un po’ a quello che sarebbe divenuto Down On the Farm, invece incise un album solo, Thanks, I’ll Eat It Here, e annunciò che i Little Feat si erano sciolti.
Durante il tour di Thanks, I’ll Eat It Here del giugno 1979, George venne trovato morto nella sua stanza di hotel ad Arlington, Virginia. L’autopsia rivelò che la morte fu causata da attacco cardiaco: è probabile che il peso di George, l’uso di droga, e la fatica del tour abbiano contribuito al decesso.
I membri rimasti terminarono e incisero Down on the Farm, prima di sciogliersi nel 1979. Un retrospettivo album doppio, compilation di registrazioni rare e tracce dal vivo, Hoy-hoy, uscì nel 1981.

http://it.wikipedia.org/wiki/Little_Feat

Little Feat is an American rock band formed by singer-songwriter, lead vocalist and guitarist Lowell George and keyboardist Bill Payne in 1969 in Los Angeles.

Although the band has undergone several changes in its lineup, the music remains an eclectic blend of rock and roll, blues, R&B, boogie, country, folk, gospel, soul, funkand jazz fusion influences.

Guitarist Jimmy Page stated Little Feat was his favorite American band in a 1975 Rolling Stone interview. 

Lowell George met Bill Payne when George was a member of Frank Zappa‘s Mothers of Invention. Payne had auditioned for the Mothers, but had not joined. They formed Little Feat along with former Mothers’ bassist Roy Estrada and drummer Richie Hayward from George’s previous band, the Factory. Hayward had also been a member of the Fraternity of Man whose claim to fame was the inclusion of their “Don’t Bogart Me” on the million-selling Easy Rider film soundtrack. The name of the band came from a comment made by Mothers’ drummer Jimmy Carl Black about Lowell’s “little feet”. The spelling of “feat” was an homage to the Beatles.

There are three stories about the genesis of Little Feat. One has it that George showed Zappa his song “Willin’,” and that Zappa fired him from the Mothers of Invention, because he felt that George was too talented to merely be a member of his band, and told him he ought to go away and form his own band. The second version has Zappa firing him for playing a 15-minute guitar solo with his amplifier off. The third version says that Zappa fired him because “Willin'” contains drug references (“weed, whites and wine”). George often introduced the song as the reason he was asked to leave the band. On October 18, 1975 at the Auditorium Theater in Rochester New York while introducing the song, George commented that he was asked to leave the band for “writing a song about dope”.[3] 

In any version, Zappa was instrumental in getting George and his new band a contract with Warner Bros. Records. The eponymous first album delivered to Warner Bros. was recorded mostly in August and September 1970, and was released in January 1971. When it came time to record “Willin’,” George had hurt his hand in an accident with a model airplane, so Ry Cooder sat in and played the song’s slide part. Lowell’s accident is referenced on the cover art of the band’s 1998 album Under the Radar. “Willin'” would be re-recorded with George playing slide for Little Feat’s second album Sailin’ Shoes, which was also the first Little Feat album to include cover art by Neon Park, who had painted the cover for Zappa’s Weasels Ripped My Flesh.

Sometime during the recording of the first two albums, the band members along with ex-Mothers of Invention drummer Jimmy Carl Black (“the Indian of the group”) backed soul singer Nolan Porter on his first album, No Apologies.

The first two albums received nearly universal critical acclaim, and “Willin'” became a standard, subsequently popularized by its inclusion on Linda Ronstadt‘s album Heart Like a Wheel.

Lack of commercial success led, however, to the band splitting up, with Estrada leaving to join Captain Beefheart‘s Magic Band. In 1972 Little Feat reformed, with bassist Kenny Gradney replacing Estrada. The band also added a second guitarist, Paul Barrere, who had known George since they attended Hollywood High School in California, and percussionist Sam Clayton. Both Barrere and Clayton added vocals on many songs, although all the band members provided backing vocals in various tunes. 

This new lineup radically altered the band’s sound, leaning toward New Orleans funk. The group went on to record Dixie Chicken (1973)—one of the band’s most popular albums, which incorporated New Orleans musical influences and styles—as well as Feats Don’t Fail Me Now (1974), which was a studio-recorded attempt to capture some of the energy of their live shows. (The name of the latter album pays homage to the Fats Waller song.)

In 1973, Payne, Gradney, Barrere, Clayton and George (credited as George Lowell) collaborated with jazz drummer Chico Hamilton on his Stax album Chico the Master, which is a strong showcase for the band’s leanings toward funk and R&B. In 1974 Lowell George, along with the Meters and other session musicians, backedRobert Palmer on his Island Records debut solo release Sneakin’ Sally Through the Alley which opened with George’s “Sailing Shoes.” The whole band chipped in on Palmer’s 1975 release, Pressure Drop, which contained another George composition, “Trouble.” 1976’s Some People Can Do What They Like, his third opus, opened with the Bill Payne/Fran Tate composition “One Last Look,” and later featured Lowell’s “Spanish Moon,” although George and Kenny Gradney sat this one out.

The release of The Last Record Album in 1975 signaled another change in the Little Feat sound, with Barrere and Payne developing an interest in jazz-rock. Prior to the recording of The Last Record Album, drummer Richie Hayward had a motorcycle accident and the liner to the LP release of The Last Record Album was decorated with copies of his many hospital bills. Also present was evidence of a late change to the running order of tracks: the lyrics for Barrere’s song “Hi Roller” were printed on the sleeve, but scored out, and the words “maybe next time” scrawled over them. Sure enough, “Hi Roller” was the first track on the subsequent album Time Loves a Hero.

George continued to produce the albums, but his songwriting contribution diminished as the group moved into jazz fusion, a style in which he had little interest. In August 1977, Little Feat recorded a live album from gigs at the Rainbow Theatre in London and Lisner Auditorium in Washington, DC. Waiting for Columbus is considered by many rock music critics to be one of the best live albums of all time, despite the fact that significant portions of George’s vocals and slide work were over-dubbed later in the studio.[4] It was released in 1978, by which time it had become apparent that Lowell George’s interest in the band was waning, as was his health.

George did some work on what would eventually become Down on the Farm but then declared that Little Feat had disbanded. In an interview with Bill Flanagan (for the book Written in My Soul) conducted eleven days before his death, George made it clear that he felt the demise of Little Feat was due to his having allowed the band to be run democratically, with the result that Payne and, to a lesser extent, Barrere, had a presence as songwriters and in production which was disproportionate to their abilities. George was particularly scathing about Payne’s attempts at jazz/fusion, citing an instance when Payne jammed with Weather Report on a TV show and dropped “into one of his ‘Day at the Dog Races’. I just got out of there as fast as I could. It was embarrassing”. In the same interview, George stated that he planned to reunite Little Feat without Payne and Barrère.[5]

At this time Warner Bros. released George’s only solo album, Thanks, I’ll Eat It Here, for which he had signed a contract in 1975. The album was mostly a collection of cover versions that George had been working on as a side project for several years and, in his biography, Rock And Roll Doctor, Mark Brend states that George had hinted he only signed the solo contract in order to obtain funds to finance Little Feat (and Bill Flanagan states in Written in My Soul that George “didn’t want his audience to assume a collection of other people’s material marked the direction of Lowell George’s solo career”).

While touring in support of his solo album in June 1979, at the age of 34, George collapsed in his hotel room in Arlington, Virginia. An autopsy determined the cause of death was a heart attack, although it is considered likely that George’s excess weight, (formerly chronic) drug use, and the strain of touring contributed to his condition.

The surviving members finished and released Down on the Farm before disbanding in 1979. A subsequent retrospective double album compilation of rare outtakes and live tracks, Hoy-Hoy!, was released in 1981. The album is an overview of the history and sound of Little Feat and includes a cover of the Hank Williams song “Lonesome Whistle”.

Barrere, Clayton, Gradney and Hayward performed several shows as Barrere, Clayton, Gradney and Hayward in 1981 and 1982.[6]

Barrere then released two solo albums, 1983’s On My Own Two Feet (Mirage) and 1984’s Real Lies (Atlantic). Richie Hayward was the drummer on Robert Plant‘s 1985 funk and new wave flavoured Shaken ‘n’ Stirred (Es Paranza). Payne has always been a popular and busy session musician, as well as a songwriter, and during the band’s first hiatus performed on a variety of albums by many famous musicians includingJ.J. Cale, the Doobie Brothers, Emmylou Harris, Pink Floyd, Bob Seger, Linda Ronstadt, Jackson Browne, James Taylor, Bonnie Raitt, and Stevie Nicks. He was a guest performer on Raitt’s Sweet Forgiveness in 1977, which featured his composition “Takin’ My Time.”

http://en.wikipedia.org/wiki/Little_Feat

 

The Band – The Last Waltz (full album)


[youtube https://www.youtube.com/watch?v=8i-m_yaFh2k]

The Band è stato uno storico gruppo rock canadese, formatosi nel 1967 a Toronto e scioltosi nel 1976 per poi riformarsi nel 1983 fino al 1999.
I componenti, tutti musicisti di grande levatura, erano: Robbie Robertson (chitarra, pianoforte); Richard Manuel (pianoforte, armonica a bocca, sassofono, batteria, voce);Garth Hudson (tastiere, sintetizzatore, fisarmonica, sassofono); Rick Danko (basso, violino, voce) e Levon Helm (unico statunitense, batteria, cordofoni e voce).[1]

http://it.wikipedia.org/wiki/The_Band

The Band was a Canadian-American roots rock group that originally consisted of Rick Danko (bass guitar, double bass, fiddle, trombone, vocals), Levon Helm (drums, mandolin, guitar, vocals), Garth Hudson (keyboard instruments, saxophones, trumpet), Richard Manuel (piano, drums, baritone saxophone, vocals) and Robbie Robertson (guitar, vocals). The members of the Band first came together as they joined rockabilly singer Ronnie Hawkins‘ backing group The Hawks one by one between 1958 and 1963.

In 1964, they separated from Hawkins, after which they toured and released a few singles as Levon and the Hawks and the Canadian Squires. The next year, Bob Dylan hired them for his U.S. tour in 1965 and world tour in 1966.[1] Following the 1966 tour, the group moved with Dylan to Saugerties, New York, where they made the informal 1967 recordings that became The Basement Tapes, which forged the basis for their 1968 debut album Music from Big Pink. Because they were always “the band” to various frontmen, Helm said the name “the Band” worked well when the group came into its own.[2][a] The group began performing officially as the Band in 1968, and went on to release ten studio albums. Dylan continued to collaborate with the Band over the course of their career, including a joint 1974 tour.

The original configuration of the Band ended its touring career in 1976 with an elaborate live ballroom performance featuring numerous musical celebrities. This performance was immortalized in Martin Scorsese‘s 1978 documentary The Last Waltz. The Band recommenced touring in 1983 without guitarist Robbie Robertson, who had found success with a solo career and as a Hollywood music producer. Following a 1986 show, Richard Manuel was found dead of suicide, but the remaining three members continued to tour and record albums with a revolving door of musicians filling Manuel’s and Robertson’s respective roles, before finally settling on Richard Bell,Randy Ciarlante, and Jim Weider. Danko died of heart failure in 1999, after which the group broke up for good. Levon Helm was diagnosed with throat cancer in 1998, and after a series of treatments was able to regain use of his voice. He continued to perform and released several successful albums until he succumbed to the disease in 2012.

The group was inducted into the Canadian Music Hall of Fame in 1989 and the Rock and Roll Hall of Fame in 1994.[4][5] In 2004, Rolling Stone ranked them No. 50 on their list of the 100 Greatest Artists of All Time,[6] and in 2008, they received the Grammy‘s Lifetime Achievement Award.[7] In 2004, “The Weight” was ranked the 41st best song of all time in Rolling Stone’s 500 Greatest Songs of All Time list.[8]

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Band

The Church


I The Church sono fra gli esponenti del rock psichedelico degli anni ottanta. La formazione è nata a Sydney, in Australia nel 1978.

Esordiscono nel 1980 con il singolo She Never Said. L’anno successivo pubblicano per il mercato australiano, il loro primo album intitolato Of Skins and Heart trainato dai singoli The Ungarded Moment, Too Fast for You e Tear It All Away, che a breve distanza viene pubblicato anche in Europa con il titolo di The Church.

La band propone un rock neopsichedelico con venature pop, sull’onda di analoghe neonate formazioni come R.E.M., Rain Parade, Green on Red, Dream Syndicate, Game Theory, The Triffids, Three O’Clock, Plimsouls, Hoodoo Gurus, The Long Ryders, si stava affermando nello scenario rock di quegli anni.

Il sound dei Church, tuttavia, si contraddistingue per le forti tonalità visionarie che, coi successivi album The Blurred Crusade (del 1982), Seance (del 1983) e Remote Luxury (del 1984), trovano la loro piena espressione.

Ma è con Heyday (del 1985) e Starfish (del 1988), che Steve Kilbey, Marty Willson-Piper, Peter Koppes e Richard Ploog sfiorano il successo mondiale, grazie a un rock che si fa più sostenuto e corposo e strizza l’occhio anche a sonorità più radiofoniche. Il singolo Under the Milky Way con le sue atmosfere agrodolci e arpeggi di chitarra che richiamano atmosfere irreali, rimane il loro brano più conosciuto, grazie anche ad un videoclip promozionale in assidua rotazione sulle televisioni musicali più note di quel periodo.

Il sound dei Church negli anni 90 si è sviluppato percorrendo nuove strade, pur mantenendo una coerenza stilistica di base, senza però ottenere il successo precedente. Si è accentuato l’uso dell’elettronica soprattutto negli album come Priest=Aura e Sometime Anywhere. Sono invece arrivati ad una buona mediazione tra il loro sound degli anni ottanta e la sperimentazione dei novanta nei lavori prodotti dopo il 2000: After Everything Now This, Forget Yourself e Uninvited, Like the Clouds, i tre dischi forse più completi e maturi che la band australiana abbia mai prodotto.

I componenti del gruppo hanno affiancato un’intensa carriera solista e di progetti paralleli. Si segnalano gli Hex e i Jack Frost di Kilbey, i Well di Koppes.

Il 17 ottobre 2014 esce il 25º album in studio intitolato “Further/Deeper”, registrato in soli otto giorni alla fine del 2013. L’album segna l’ingresso nella band del chitarrista Ian Haug al posto di Marty Wilson Piper che, secondo Kilbey, si era dichiarato non disponibile per l’incisione di un nuovo disco e ralativo tour.

https://it.wikipedia.org/wiki/The_Church

The Church is an Australian psychedelic rock band formed in Sydney in 1980. Initially associated with new wave, neo-psychedelia and indie rock, their music later came to feature slower tempos and surreal soundscapes reminiscent of dream pop and post-rock. Glenn A. Baker has written that “From the release of the ‘She Never Said’ single in November 1980, this unique Sydney-originated entity has purveyed a distinctive, ethereal, psychedelic-tinged sound which has alternatively found favour and disfavor in Australia”.The Los Angeles Times has described the band’s music as “dense, shimmering, exquisite guitar pop”.

The founding members were Steve Kilbey on lead vocals and bass guitar, Peter Koppes and Marty Willson-Piper on guitars and Nick Ward on drums. Ward only played on their debut album and the band’s drummer for the rest of the 1980s was Richard Ploog. Jay Dee Daugherty (ex-Patti Smith Group) played drums from 1990 to 1993 and was replaced by Tim Powles, who has remained with them ever since. Koppes left the band from 1992 to 1997 and Willson-Piper left in 2013. He was replaced by Ian Haug, formerly of Powderfinger. Kilbey, Koppes and Powles also recorded together as “The Refo:mation” in 1997.

The Church’s debut album, Of Skins and Heart (1981), delivered their first radio hit “The Unguarded Moment” and they were signed to major labels in Australia, Europe and the United States. However, the US label was dissatisfied with their second album and dropped the band without releasing it. This put a dent in their international success, but they returned to the charts in 1988, with the album Starfish and the US Top 40 hit “Under the Milky Way”. Subsequent mainstream success has proved elusive, but the band retains a large international cult following and were inducted into the ARIA Hall of Fame in Sydney in 2011. The Church continue to tour and record, releasing their 24th studio album, Further/Deeper, in October 2014.
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